miércoles, 26 de abril de 2017

Entrevista a Pájaro: "Le mandamos Santa Leone a Tarantino. Supongo que estará aún en el plástico".


No ha sido fácil. Desde que Tali Carreto me sorprendiera hace muchos años en el salón de su casa con un disco del que hablaba maravillas, he seguido con veneración el trabajo de Andrés Herrera, Pájaro. Enorme músico sevillano que ha conseguido en su madurez ofrecer un fantástico trabajo sonoro, desbordando personalidad, talento y mucho, mucho sentimiento. Desde entonces he estado detrás suya para poder charlar con él, y por fin ha sido posible. Hablamos de sus orígenes, del sur, de guitarras ó pantanos y, como no, de su añorado Silvio. 

Cómo te llamo… Andrés… Pájaro… o maestro…

He tenido varios apodos desde la niñez. Por un tiempo me llamaban Betis. Volvía del cole y debajo llevaba la blanca y verde con la que en vez de jugar al fútbol me ponía a tocar la guitarra. Todo el mundo me llama Pájaro y así me gusta que me llamen. No estoy acostumbrado que me llamen Andrés.

¿Cuál fue tu primer recuerdo relacionado con la música? Tengo entendido que desde muy pequeño ya demostraste tanto interés por la música como pericia con la guitarra.

El primer recuerdo que me hizo algo en la cabeza y en el corazón fue en el Teatro Lope De Vega, con cinco años. Mi padre me llevó a un concierto de la Banda Municipal de Sevilla y estrenaban algunas marchas de Semana Santa. Aquel día me di cuenta lo que quería hacer el resto de mi vida…Músico.

Flamenco y marchas de semana santa por una parte, bandas sonoras de las películas que proyectaba tu padre por la otra… Ese es un poso que en muchos se diluye con el paso del tiempo pero que a ti se te ha quedado muy marcado, es parte de ese sonido tan tuyo…

Básicamente me he criado en medio de todas esas mezclas sin olvidar los discos que traían a casa los novios de mis hermanas. Desde Beatles hasta Camilo VI. Somos lo que hemos mamado y eso evidentemente ha marcado mi vida y mis gustos musicales.

Luego apareció el rock y todo eso cambió,  me imagino… igual que por Cádiz en aquella época entró mucha música a través de la base de Rota, a vosotros con la de Morón os debió suceder algo parecido. Eso explica que en Sevilla se produjera un movimiento rockero muy importante en los 70’s. Así a bote pronto diría que Smash, The Storm o Triana… eran bandas de un nivel fuera de lo común, es muy triste que apenas se citen hoy en día, como si no hubieran existido.

Sevilla ha tenido siempre una gran cantera de músicos. Es muy cierto lo que dices. La música autóctona ya tenía gran afición de pronto vienen un montón de americanos haciendo cambios de guitarras, amplificadores, discos en muchos casos a cambio de jamones o incluso hachís.

¿Cuál fue tu primera formación? 

Empecé solo. Miraba a mis hermanas poner acordes y luego yo los ponía. Con 9 años ingresé en el conservatorio y no llegué a durar ni un año. Me aburría porque el sistema era solfear, pero de coger guitarras nada. Mi madre me pago un profesor de flamenco con unos 13 años y estuve casi uno con él hasta que empecé a engolfarme con Hendrix

Y más adelante comenzaste con Silvio…

Tocaba en Brigada Ligera y varios componentes eran músicos del maestro. Teníamos el mismo ensayo y una tarde me quedé un rato y empecé a tocar canciones de Elvis. Silvio me escuchó y ya no me dejó salir del ensayo dándome el puesto de solista Luego hablamos de que habíamos estudiado en el mismo colegio y además salíamos los dos de nazarenos…estaba escrito.

Preguntarte sobre Silvio ya es una pregunta recurrente al hablar contigo. Yo tengo la sensación de que Silvio fue el tío más rock & roll que ha pisado este país. Yo veo imágenes suyas y me parece que llevaba una vida muy a lo Keith Richards, pero sevillano en lugar de británico. Siempre me he imaginado a Keith y Silvio pasando noches de juerga por Sevilla… Cuéntame alguna anécdota que no recuerdes haber contado ya…

Se han dicho casi todas pero hay una muy especial. El día que me casé tocábamos por la tarde en Paradas, pueblo de Sevilla. Justo después del concierto se fue para el manager y dijo “dame toda la pasta del concierto incluida la del equipo técnico”. El manager le dijo que no estaba para bromas y que le dejara hacer las cuentas y él le dijo: “Este muchacho pronto será padre y va a necesitar mucha pasta así que todo va para Pájaro”. Todos pensaron que bromeaba pero cogió el montón de billetes lo metió en un sobre y se lo dio a mi novia. No quise aceptarlo por supuesto pero me amenazaba con hacerme una maña de lucha greco-romana. La cantidad era alta pero lo importante es que no todas las anécdotas son dignas de Groucho… también era  súper- generoso.

¿Tienes relación con su hijo? Acabo de descubrir la banda en la que toca y me he quedado sorprendido, con la banda, muy rockera, con la sorpresa de que sea quien es el cantante… y con su imagen, una mezcla entre el propio Silvio y Lux Interior de The Cramps…

Fue alucinante la primera vez que lo vi…era Silvio nuevecito. Se me cayeron dos lagrimones de la emoción. Cuánto hubiese deseado Silvio abrazar a su hijo. Somos muy buenos amigos y por supuesto hemos tocado juntos muchas veces.

En 2012 publicas “Santa Leone” con Happy Place, aquello fue un punto de inflexión en tu carrera, ¿no? Creo que los de Happy Place te veían tocar en Sevilla y te daban la brasa para que grabaras con ellos, hasta que al final te convencieron.

Fue algo mas “romántico”. Raúl Fernández fue quien me presento a Paco Lamato y Joaquín Aneri. Puedo decir que es de lo mejor que me ha pasado en mi vida artística.

No sé si realmente esperabais un resultado tan espectacular. Es un disco muy bien hecho, se nota la dedicación, el cariño, y por supuesto el talento, puestos en su confección.

Humildemente… no. Teníamos ilusión de llegar poco a poco y por supuesto nos gustó bastante el resultado, pero no imaginamos que iba a ser uno de los mejores discos del año.

Santa Leone”, la canción, es algo majestuoso… Casi puedes sentir el polvo en tu boca, el calor abrasador… Cada vez que la escucho creo ver a Uma Thurman ensangrentada andando por el desierto buscando venganza con la catana en la mano… ¿Nunca habéis pensado en hacerle llegar vuestro disco a Tarantino? Si estuviera en mi mano yo se lo llevaba andando…

Se lo mandamos  a muchos y uno de ellos fue a él. Supongo que estará aún en el plástico…jeje…

El año pasado publicaste “He matado al ángel”, ¿había presión por repetir un trabajo que estuviese a la altura de Santa Leone? Porque por complicado que parezca lo habéis superado.

Lo hicimos con bastante  presión pero nuestra manera de trabajar no cambió .La fórmula de trabajo es trabajar en equipo. Estamos muy contentos con los resultados y ya estamos con el tercero. Trabajar con Raúl, Paco y Joaquín es todo un lujo. Happy Place hace honor a su nombre

Viene con mei” es una de mis canciones favoritas, ese ritmo es contagioso y muy evocador. Qué canción tan maravillosa, todo encaja a la perfección, el ritmo, la guitarra, la letra, los vientos, el sabor mediterráneo… ¿Cómo la compusiste? ¿Quién es Pietro?

Tengo una pareja de Yorshires  pero no de los enanos, los que son un poco más grandes. Al chico lo llamo y no viene. Va a su rollo y un día me dio por llamarle en italiano y vino. No es broma, él tiene la culpa de esta canción. Luego empecé a inventar una historia y Pietro Comino en como Juan Civil de “Las Luces Rojas”. Me gusta crear nombres ficticios con su ”guasa”.

Has comentado que te enseñaron gran parte de la técnica de la guitarra en Estados Unidos, ¿quién te enseñó? ¿Cómo fue?

Después de la Expo 92 Sevilla era un desastre. Se acabó lo que se daba y yo además tenía ganas de irme un tiempo. Conocí a una chica alemana y nos enamoramos. Ella me propuso irnos a San Diego, California. Nada más llegar busqué en un periódico clases de guitarra y tuve la suerte de conocer a Tom Queen. Uno de los mejores guitarristas locales y profesor. Fue quien me quitó los vicios que adquirimos los que aprendemos solos. Hubo un antes y un después con sus clases. Pero nunca aprendí a leer partituras. Eso ha hecho que pegue mas la oreja.



Has comentado en alguna ocasión que las canciones las trabajas en grupo, pero el origen es tuyo, y el toque que deba tener lo tienes claro desde un principio, si es instrumental, si tiene un aire surf, o mediterráneo… ¿Cómo compones?, ¿depende de la guitarra con la que estés en ese momento?

La mayoría de las veces con la guitarra española. Si es instrumental no sé porqué pero comienzo silbando. Si va a ir cantada primero hago una improvisación en “wikinglish”. Si veo que puede ser canción empiezo a sacarle más partes y por último pienso algo que me guste contar y empiezo con la letra. A veces hay que darle muchas vueltas hasta que está terminada.

¿Sientes que en Andalucía existe una corriente musical/rockera especial? Hace poco hablando de los Furia Trinidad los agrupaba con Pájaro y Guadalupe plata como ejemplos de una serie de bandas que han salido de Andalucía con un sonido muy personal. “...y sin embargo de un tiempo a esta parte en el sur español surgen francotiradores de la intensidad, del sentimiento hecho canción. Gente como Guadalupe Plata o, especialmente (y de qué manera), Don Andrés Herrera, Pájaro. O Furia Trinidad” escribí en este post. ¿Ves algún tipo de relación entre estas bandas, ves algún tipo de vínculo común, o es un poco casualidad?

Soy admirador nato de Guadalupe y Furia .Ellos han inspirado a muchos y por supuesto a nosotros. Creo que lo mismo que el delta del Mississippi tiene su sonido, nuestro Guadalquivir no va a ser menos y respiramos lo mismo y sobretodo nos gustan los pantanos con sus bichitos. Larga vida al Rock y a los rockeros.

¿Hay algún músico con el que te gustaría colaborar? Yo te veo haciendo muy buenas migas con Jose Ignacio Lapido (091). O con Goli, de Furia Trinidad, o Bourbon, de Sanlúcar.  

Sin dudarlo. Entre 091, Furia… y no quiero dar más nombres porque no quiero dejar a nadie en el tintero. Hay muy buena música y músicos en este país. Mi deseo es que entre todos luchemos para que la cultura en general sea una prioridad.

Mil gracias por tu tiempo y por tu música.

A vosotros por vuestro apoyo. Salud.

Gracias a Tali Carreto por su demostración de paciencia infinita.
Fotos de Juan Pérez-Fajardo.

lunes, 24 de abril de 2017

Pow Pow Pows en el Puerto de Santa María el próximo viernes 28 de abril.


"Animales fantásticos" es uno de mis discos favoritos de los últimos años. Junto a "Desintegración" de Atavismo creo que son de los mejores trabajos que puedes haber escuchado en estos cuatro/cinco años. Una colección de canciones exquisitas, un nivel compositivo insuperable y una gente que sabe perfectamente lo que se traen entre manos. Vienen de Electric Ryders, Mermaid/Green Manalishi o los Basque Country Pharaons. Lo primero que se te ocurre para definrlos es "pop-rock psicodélico", pero para mí es un conjunto de canciones exquisitas, comienzas con "Villanos" y ya sabes que estás ante algo especial. Todo esto viene a que están de gira y este viernes podré finalmente verlos. Como he venido comentando estos días, "Animales fantásticos" ha estado entre mis discos favoritos... los tres últimos años!

Bajo ningún concepto os los deberíais perder. Promete ser una noche grande cada vez que se suban al escenario...

Lo que queda de gira:

27 ABRIL - Wurlitzer Ballroom, MADRID (con Suzy & los Quattro)
28 ABRIL - Sala Blanco y Negro, EL PUERTO DE STA MARIA
29 ABRIL - Louie Louie, ESTEPONA
30 ABRIL - Casino Rock, ESQUIVIAS (con Ossa)
12 MAYO - Gaztetxe, ELORRIO (con What A Band)
13 MAYO - Vinilo Club, GANDIA
18 MAYO - La Triangu, SOPELA

Y para que escuchéis el disco https://powpowpows.bandcamp.com/album/animales-fantasticos.

lunes, 3 de abril de 2017

We'll allways love you, Elyse Steinman.


It is with profound sadness that I announce the passing of my wife, Elyse Steinman. She died on Thursday, March 30th after a three year battle with cancer”. Así nos dejaba ayer completamente en shock Greg Strzempka, el líder de Raging Slab a través de su cuenta de facebook. Elyse, su mujer, su compañera y guitarra de la banda, fallecía después de tres años luchando contra el cáncer, el jodido cáncer.

Raging Slab… una de esas bandas que te atrapan por completo. Al hablar de ellas es inevitable relacionarlos con Popular 1. La inmensa mayoría de seguidores de la banda debe agradecérselo a la revista y a César Martín. Yo, como muchos, los descubrí entre sus páginas, con The Dealer y sobre todo con su mítica actuación en el Serie Z. Todos conocéis la historia, antes de salir Greg comenzó a hacerse fotos con todo el mundo (yo incluido, pero después de la ingesta psicotrópica) y alguien le metió un “champiñón” en la boca, sin que Greg supiera reaccionar. Cuando se quiso dar cuenta ya estaba viajando en un trance alucinógeno, según me comentaría años más tarde el propio Greg. El concierto como no podía ser de otra forma resultó completamente caótico, Greg viajando por su cuenta y el resto de la banda siguiéndolo como buenamente podía. No, no fue el concierto de mi vida (ni el de ellos), pero en el imaginario colectivo aquello fue de lo más rock and roll que se ha visto en los escenarios de este país. No es de extrañar que un amigo comentase ayer (precisamente a raíz de la publicación de una foto con Elyse en ese Z) que aquellos dos primeros Serie Z fueron nuestro Woodstock particular para muchos de nosotros. No conocí a Elyse en persona ese día. Pasó un tiempo, unos pocos años, en los que Raging Slab volverían a girar por España. Y allí fuimos a verlos, no recuerdo en qué sala madrileña fue, pero sí teníamos muy claro que esa noche la pasaríamos detrás de la banda. Como decía antes Greg me comentó el incidente del “champiñón”, y como parecía bastante aburrido de la anécdota pasé a comentárselo a Elyse que estaba al lado y ponía una cara mitad enfado mitad cómica… Comenzamos a charlar y no sé, estuvimos toda la noche bebiendo y charlando en quién sabe qué bares de Malasaña. Qué gran mujer… Aún conservo la entrada de ese concierto con el “great guy, such a gentleman” que me dedicó Elyse. Me encantaba su forma de tocar, al slide… con esa ya mítica guitarra… Sus directos eran incendiarios, era todo actitud, encima del escenario y debajo de él. Creo que fue la última vez que tocaron por nuestro país, siempre se les ha echado mucho de menos. En la cuenta de Greg se multiplicaban los mensajes de apoyo y de deseo para que volvieran, pero nunca eran contestados, quién iba a imaginar que la realidad era tan dura. 

Elyse, donde quieras que estés, siempre te echaremos de menos.

lunes, 20 de marzo de 2017

20 años sin Jeff Buckley.


Cada vez que barrunto la necesidad (necedad, quizá) de desarrollar una teoría que trate de analizar la belleza de la música, de adentrarme en esa reacción bioquímica que se produce en nosotros como si fuera el soplo mismo de la vida, de cómo nos hace efectivamente sentir más vivos que la vida misma… siempre me tropiezo con la imposibilidad de hallar las palabras adecuadas con las que aproximarme a aquello que es el corazón, que es la belleza de la música, de la propia vida en realidad. Desisto en mi intento porque desisto de intentar explicar la vida y decido vivirla sin más. La música, la belleza, el arte… no se explica, se vive. La música de Jeff Buckley es todo eso: Belleza, sentimiento, sensibilidad… es la vida misma, y tras veinte años proponiéndomelo nunca he sido capaz de explicar con acierto la música de Jeff Buckley y, por extensión, al propio Jeff Buckley.

Jeff Buckley llegó a la vida de muchos de nosotros como algo fugaz. Grabó un único disco, "Grace", y desapareció. Suyo podía haber sido el universo, y sin embargo el universo se lo quedó para sí, con sólo treinta años. Muchos se esfuerzan en vano durante décadas en acuñar toda la belleza que él logró reunir en un único trabajo. Él lo hizo a través de apenas un puñado de canciones con las que hizo de este un mundo un poco mejor. Acceder a "Grace" y a Buckley es como entrar en la Capilla Sixtina e ir elevando la mirada a cada paso. Es esa sensación que te inunda mientras sientes cómo la sangre de tus venas se va calentando a cada instante y cada centímetro de tu piel la sientes latiendo, se siente viva.

La historia de Jeff parece sacada de un guión cinematográfico. Hijo de uno de los grandes talentos de los años 70’s, Tim Buckley. Padre ausente, artista, una entelequia en la psique de Jeff durante toda su vida (“Father do you hear me, do you know me, do you even care?”) que además, como si marcase el destino de su hijo en forma de herencia (como hizo Bruce Lee con su hijo Brandon), también moriría muy joven. Jeff y Tim apenas se vieron dos veces. La carrera musical de Jeff se inició de forma casi accidental en una misa cuando interpretó dos canciones de su padre en modo de homenaje, dejando helado al público que asistía al servicio eucarístico. De alguna forma aquello impulsó algo que estaba latente, conectó a padre e hijo y le indicó el camino, un camino agreste, engañoso y de final incierto.

Desde entonces Jeff comenzó ensayar y a practicar. Su voz era la de un ángel, dominaba a la perfección todas las tonalidades, un control absoluto de la voz, sobrada de potencia pero derrochando suavidad, con fuerza pero hecha para susurrar. Y algo que normalmente nadie recuerda: Jeff Buckley era un guitarrista fantástico. Su domino de las seis cuerdas como guitarrista rítmico era sobresaliente. Lo mejor que creo puedo decir es que su forma de tocar estaba a la altura de su voz, que se fundían a la perfección, y que sin su sutil técnica sus canciones no habrían alcanzado las cotas de belleza que consiguieron. Alguna vez me he imaginado a Jeff como solista de una banda y nunca me encajó. Jeff Buckley era su voz y su guitarra, ambos sublimes.


Es 1997 y "Grace" ve la luz, nada volverá a ser lo mismo. Entre tanta miseria, entre tanta tristeza y fealdad, "Grace" brilla  y hace de este un mundo mejor, “hay sitio para la belleza” parece decirnos entre susurros. En efecto, "Grace" comienza con un susurro, Jeff inicia su obra susurrando, ¡qué manera de presentarse al mundo! De forma sutil se nos presenta, torturado, bello, honesto, vulnerable. "Mojo Pin" abre el disco casi sin querer para terminar gritando, dejándonos exhaustos. Con "Grace", la canción, comienza el éxtasis, la voz de Buckley ya se ha apoderado de ti, te transporta, te rodea y te eleva (“Ahí la luna, buscando quedarse, lo suficiente como para que las nubes me lleven lejos, volando”), la vida puede ser maravillosa  a veces. Su forma de cantar demuestra una personalidad abrumadora, en plena vorágine grunge su voz bebe del jazz (Nina Simone es un referente continuo, sin duda) y del rock, su modulación, su cadencia es asombrosa. En "The Last goddbye" el nivel se mantiene, cuando no incluso crece, qué maravilla de canción, la voz de Buckley se funde con una preciosa orquestación de viento, el alma se te tiene que encoger ante algo así, tanta vida, tanta belleza… tanta que casi duele. Jeff comienza a jugar con los falsetes con una facilidad y una sencillez pasmosa, su personalidad queda plasmada en su totalidad. A partir de aquí se da un pequeño respiro, inicia una parte del trabajo más introspectivo, donde voz y guitarra son el centro de todo en un tono muy jazzy, “escúchame, no puedo ver claramente”, canta desde la penumbra. Me lo imagino tocando en un bar oscuro lleno de humo con los ojos cerrados… viviendo cada nota que interpreta con una intensidad que te desarma desde la seda. Qué decir de su re-interpretación del "Hallelujah" de Cohen que no se haya dicho ya. Debería callarme, renunciar a escribir y volver a ponerla, cerrar los ojos y dejarme envolver por ese ángel llamado Buckley, que consigue elevar la música a otro nivel, como si estuvieras en un altar sagrado y quisiera elevar tu alma desarmándote con su guitarra y su voz. Su voz, qué forma de cantar... Leonard Cohen, al igual que le sucedió a Dylan con Hendrix y su "All along the watchover", llegó a afirmar que esa canción ya no le volvería a pertenecer jamás. Si Grace solo hubiera incluido esta canción Buckley habría subido a los altares igualmente. Pero no, vuelve con un tema compuesto por él solo, "Lover you should come over", un llanto de desamor (quién necesita el amor existiendo un desamor tan bello…). Unos coros y un órgano apenas perceptible son un apacible viaje que te mece y te mece, te abraza… cada vez que escucho esos estribillos me sigue dando la misma sensación, la misma necesidad de darle las gracias al cielo por haber nacido. Es una de mis canciones favoritas del disco, cómo evitarlo… Ahora se apagan las luces. Un Buckley más introspectivo aún si cabe nos mece con "Corpus Christi Carol", no puedo ni siquiera imaginar algo tan hermoso. Tan sutil que casi duele, como si fuera una nana y él el ángel que te acuna. Con "Eternal life" Buckley suelta su ira por única vez en el disco, con su canción más furiosa. Buscar los paralelismos entre la letra de "Eternal life" y el devenir de su compositor es tan sencillo como devastador. De nuevo es un torturado Buckley el que nos grita, a nosotros, al mundo. No es este un sitio en el que se encuentre cómodo, sin duda. Él se abre al mundo pero el mundo no le responde más que con miseria. "Dream brother" cierra Grace cerrando de alguna forma el círculo que se inició con "Mojo Pin", de forma sosegada, entre susurros, como si fuera el final de un sueño, hipnótico, onírico.


El éxito de ventas no estuvo a la altura del de crítica. No era un disco de venta sencilla a pesar de lo cuidado del producto (tanto portada, vídeos, imágenes… transmitían mucha elegancia). Celebridades alabaron notablemente el trabajo de Buckley y durante tres años no paró de girar y girar, con una espiral de demonios internos y desencantos con la industria que hicieron de él más inaccesible aún, pocas entrevistas se guardan de él. Siempre he pensado que los artistas no deberían dar entrevistas, su arte habla por ellos, y el de Buckley más que hablar grita de forma cristalina. En mayo de 2017 Jeff se reuniría en Memphis para iniciar la grabación de su segundo trabajo, que tenía el provisional título de "My Sweetheart the Drunk". Buckley murió ahogado en el río Wolf. Se ha dicho que quizá se suicidó, que fue un accidente imprevisible o una jodida estupidez. En realidad da igual, al igual que Shannon o Amy, ya nunca volvió a nosotros para interpretar una última canción, dejándonos huérfanos de su talento.

Lo que vino después fue realmente inspirador. Era de esperar que aparecieran re-ediciones de todo lo que hubiera podido llegar a grabar, y así fue, pero es indudable que Buckley desde el más allá nos siguió dando mucho. Su compañía de discos trabajó en el material que había llegado a grabar para su segundo disco, publicando "Sketches from My Sweetheart the Drunk", un notable epitafio en el que pudieron rescatar joyas como "Everybody here wants you", tan terroríficamente bella como dolorosa, una canción sin duda a la altura de "Grace". O la juguetona "Yard of blod girls", que grabó con Inger Lorre. También "New Year's Prayer", una hipnótica canción casi lisérgica que nos da una idea de cómo trataba Buckley de experimentar en busca de nuevos sonidos y matices. Del resto del disco sólo se puede decir que son apenas bocetos casi sin trabajar, poco se puede intuir de estos de lo que podría haber dado de sí Jeff en su segundo trabajo.


No puedo dejar pasar la que, sorprendentemente, es mi canción favorita de Buckley. La descubrimos en su directo "Mystery White Boy". “This is a song some of probably don’t know… most of you” decía Jeff antes de arrancar “What will you say”… Qué decir, una de las canciones más bellas, más puñeteramente bellas que nunca he escuchado, un llanto desgarrador al padre ausente, un grito al mundo que se acaba, que se cae a pedazos.

It's been such a long time
And I was just a child then
What will you say
When you see my face?
Time feels like it's flown away
The days just pass and fade away
What will you say
When they take my place?
It's funny now
I just don't feel like a man
What will you say
When you see my face?
My face...
Mother dear, the world's gone cold
No one cares about love anymore
What will you say
When you see my face?
Father do you hear me?
Do you know me?
Do you even care?
What will you say
When they take my place?
My heart can't take this anymore
What will you say
When you see my face?
When you see my,
See my face...
I can feel your time crawling
To a slow end
I can feel my time crawling

Recuerdo escucharla una y otra vez, una y otra vez en mis interminables paseos por la fría Dublín en el 2000, sentía que me estaba cantando a mí, el mundo se paraba a mi alrededor, nada importaba cada vez que le escuchaba gritar como si la vida le fuera en ello… esa forma de expresarse solo está destinada para elegidos, sin duda.

Lo que vino después realmente no terminó de interesarme. Uno llega a pensar que la gallina de los huevos de oro, finalmente, se había vaciado por completo, algo normal a tenor del status de leyenda que la figura de Buckley ha llegado a alcanzar hasta nuestros días. Y sin embargo el año pasado se publicó una joya M-A-R-A-V-I-L-L-O-S-A titulada “You and I” en la que se recoge a Jeff únicamente junto a su guitarra (el Jeff más auténtico, el más intenso) en unas grabaciones que realizó para Columbia Records a modo de presentación. Increíble pero cierto, 19 años después de su fallecimiento Buckley volvió a nosotros con la misma sensación de que un ángel había bajado para deleitarnos con sus canciones, con su música. “Grace” es el único tema ya conocido, el resto son versiones de composiciones más o menos conocidas, con un nivel interpretativo que vuelve a rallar a lo más alto. Mi favorita es el tema rural tradicional “Poor boy long way from home” que interpreta demostrando su destreza con el slide, algo que, sorprendentemente, no usaría nunca más y que da una muestra de su profundo dominio de la guitarra. “Just like a woman” de Dylan, o una deliciosa “I’m calling you” son solo ejemplos de un disco maravilloso cuando creíamos que no volveríamos a tener nada nuevo de Buckley.

20 años sin Buckley y al igual que Shannon, sigue con nosotros. El río Wolf no se lo llevó, simplemente lo subió al altar de los cielos para convertirlo definitivamente en el ángel que realmente era. Nunca lo he hecho y creo que es buen momento para hacerlo: Gracias Jeff Buckley por haber existido.





  

Mes dedicado a Jeff Buckley en javistone.


El tiempo… La palabra “inexorable” se creó para definirlo. El tiempo pasa sin preguntar, sin pedir permiso, no se detiene, no descansa, se sucede sin más. Apenas esos momentos de felicidad, en la playa con tus hijas, con una canción que hace que te evadas con los ojos cerrados… hacen que tengas la sensación de que el maldito tiempo se detiene. Pero no, solo es una vaga sensación, te recuerda inevitablemente que lo que una vez fue ya no volverá, con la promesa siempre de que lo ha de venir será igual de fugaz. El tiempo… Parece que no está pero sí, no deja de estar ahí. Solo de esa forma puedes entender cómo eventos que parecían perdidos en la memoria aparezcan de repente en forma de simbólicos aniversarios, recordándote que algo que trataste de olvidar, sigue ahí. Todo esto viene a cuenta de que el próximo 29 de mayo, en apenas poco más de un mes se cumplirá los veinte años de que Jeff Buckley dejara su vida en el río Wolf de Memphis. Su pérdida y la de Shannon fueron sin duda las que más he sentido nunca. Veinte años ya… y sin embargo, tengo la misma sensación que con Hoon: Al habernos acompañado su música durante todo este tiempo, parece que no nos han abandonado nunca. La música de Jeff Buckley, ese “Grace”, esas grabaciones perdidas/rescatadas... forman parte de la vida de muchos de nosotros. De esta forma, en javistone hemos tratado de adelantarnos un poco a la fecha para, al igual que hicimos con el cantante de Blind Melon, hacerle un pequeño pero sentido homenaje al gran Buckley. Así, durante estas semanas haremos un “mes de Jeff Buckley”, recordándolo, y mostrando nuestra enorme gratitud por su música y por su figura.

Espero que lo disfrutéis. 

Chuck Berry DEP.


Hace aproximadamente unos diez meses escribí un post que a priori podía parecer un poco cenizo. En él trataba de agradecer en vida a todos aquellos ídolos que aún estaban entre nosotros y que irremediablemente acabarían faltando, más tarde o más temprano, sabiendo que en algún momento debería recurrir a su revisitación. Uno de ellos era evidentemente Chuck Berry. Alguien que se va de este mundo con 90 años se le debería decir adiós con más respeto que lástima, pero Chuck Berry fué el origen de prácticamente todo en esto del rock & roll. Podríamos teorizar durante horas sobre quién fue el auténtico pionero, quién fue la piedra angular... Mi idea la tengo clara, Chuck Berry lo creó y luego Little Richards lo expandió y los chicos blancos lo popularizaron. Chuck Berry fué el big bang de todo esto, un "esto" que cambió el signo de los tiempos, que provocó un proceso irreversible que cambió sin duda el mundo. El mío sin duda no habría sido nada sin el rock, por eso a Berry lo tendré siempre como padre de todo, el punto de inflexión en el que el blues se convirtió en rock and roll. 

No quiero entrar demasiado en el Chuck Berry persona, mejor quedarme en el músico-creador-pionero. Como persona demostró ser un miserable hijo de puta, y sus últimos años, décadas en realidad, fueron entre lastimeras y vergonzosas. Pero dicho esto (difícil no olvidar su lamentable escándalo de las grabaciones), no puedo dejar de pensar en todas esas canciones que nos han acompañado desde que aterrizamos a este mundo. Desde ese irrenunciable "Johnny B. Good" (con 11 años decidí sin lugar a dudas colgarme una guitarra tras ver Regreso al futuro...), "Route 66", "Rock and roll music", "Roll over Beethoven"... sus canciones lo han impregnado todo, que se lo digan a Uma Thurman...

En cualquier caso, Chuck Berry, gracias por tu música... Gracias por el rock & roll. DEP.

viernes, 10 de marzo de 2017

Entrevista con el Capi: "El R’n’R es ideal para tugurios oscuros y bolos pequeños".


Cualquiera sabe del respeto y la admiración que profeso a este hombre. Cumplen en breve diez años del blog y tenía una deuda con el Capi, toda una referencia en el mundo de los blogs y podcast. Esto más que una entrevista, esto es una pequeña charla entre colegas. La próxima espero que sea en una barra de un bar tomándonos unas cervezas… 

Yo te conocí gracias al blog, y luego con el programa de radio o podcast, ¿cómo acabaste metido en tanto jaleo?

Realmente no sé cómo me metí en tantas historias y algunas tan interesantes, pero básicamente el blog comenzó como una manera de compartir cosas con el resto del mundo. En un principio pensé que serían dos personas y luego me di cuenta de que había cientos de personas fieles a lo que colgaba en él. Todo acabó sobrepasándome cuando los grupos me enviaban sus discos para que hiciese reseñas sobre ellos y llegó un momento que vi que no podía con todo y cuando vi que me robaba demasiado tiempo de mi vida, además de para no defraudar a nadie…. lo dejé en stand by.

¿Y el programa de radio?

Lo del programa de radio fue una “liada” de un buen amigo que me embarcó en su proyecto y mira, hasta hoy, y además muy contento de ver que cada día son más las personas que lo escuchan y que además encuentran un  buen sitio donde juntarse en el Facebook del programa mientras se emite en directo.

Es imposible estar al tanto de todo lo que se cuece en el mundo del rock and roll, y sin embargo ahí estás tú, que seguro que dirás lo mismo, pero es increíble la capacidad que tienes para traernos tantos grupos y tanta música que muchos de nosotros, ya de por sí consumidores voraces de música, no conocemos. ¿Cómo diablos lo haces?

Pues la verdad es que tengo mucha suerte porque, además de ser un apasionado de la música y un ávido buscador de cosas nuevas, cuento con muchos amigos entre los músicos, los cuales acaban informándome muchas veces de sus próximos lanzamientos. Soy muy afortunado en ese aspecto, ya que bandas a las que he admirado desde hace muchos años o de las que soy fan recientemente, encuentran mi programa de radio un buen lugar para promocionar su música, con lo que esto me llena de orgullo.

Bandas nacionales, italianas, canadienses, australianas… Hay por todas partes, pero al igual que el nivel sube y sube, parece que cada vez el rock es algo más minoritario. Decía Steve Van Zandt, que el rock & roll volverá al underground que es donde debe realmente estar, ¿tiene sentido eso para ti?

Claro que tiene sentido para mí. Lo que no es normal es que un grupo de Rock llene estadios de 100.000 personas y si empiezas a mirar alrededor te das cuenta de que solo hay 200 a las que realmente la banda les apasiona. Estoy harto de ver como bandas increíbles tocan para 50 personas y a la semana siguiente viene AC/DC a la ciudad y llena para 50.000… no es lógico, al menos que esas 49.950 personas restantes hayan ido solo por poder decir que han visto a la banda en directo y que son fans de sus “Jaiuguay tu jell”. Por otra parte… sí, el R’n’R es ideal para tugurios oscuros y bolos pequeños, ahí se disfruta de verdad y hay conexión con la gente que tienes sobre el escenario.

¿Tienes contacto con todas las bandas de las que hablas?

Con muchas de ellas por no decir con casi todas, aunque está claro que con unas hay una relación de amistad muy fuerte, con otras hablo de vez en cuando y, con las menos, de higos a brevas, básicamente cuando necesitan promoción. Aunque estas últimas son muy pocas.

¿Notas ciertas tendencias en los grupos que tú llamas de “high-energy”? Yo creo que  aquella hornada de bandas del norte de Europa y, sobre todo, The Hellacopters dejaron un poso muy profundo, que junto a revisitaciones de clásicos como Thin Lizzy o ACDC, tienen mucho que ver en esos sonidos actuales, ¿cuáles crees que son en tu opinión las tendencias actualmente, en Europa especialmente?

Creo que el High Energy R’n’R goza de muy buena salud, con bandas con una calidad increíble a la que solamente les impide triunfar el hecho de que hoy por hoy sale una gran banda cada día, con lo que se hace casi imposible sobresalir. Si Hellacopters hubiese nacido hoy, seguramente hubiese sido una banda más, pero en aquella época sorprendió y no había tanto acceso a internet, lo que nos hubiese permitido descubrir otras muchas buenas bandas. El ejemplo que pongo sobre esto siempre es con mis paisanos Eskorbuto. ¿Realmente crees que esta banda hoy con la calidad tanto musical como de composición que tenía hubiese salido del anonimato? Creo que sabes la respuesta tan bien como yo. Y un estilo que está muy de moda actualmente en Europa y en el resto del mundo es sin duda el (no se si bien o mal llamado) Vintage Rock, donde las bandas buscan tanto el estilo como la manera de grabar y tocar de los 60 y de los 70. Enormes bandas actualmente también.

Te voy a contar algo, yo hasta hace unos 12 años no me sentía identificado con el rock nacional, me gustaban algunas cosas pero sufría de malinchismo, era incapaz de valorar lo que se hacía aquí respecto a la que se hacía en el extranjero. Sin embargo al irme a vivir a un sitio como Jerez comencé a conocer la escena local, la de Cádiz, apareció el Monkey Week, que aunque no tiene mucho rock sí es cierto que ha potenciado al músico nacional y ha mostrado que hay mucha gente con ganas de hacer cosas. Ahora en mis listas de mejores discos del año están dominadas por gente como Bourbon, El Lobo en tu puerta, The Shooters, Furia Trinidad o Little Cobras. Está claro que deberíamos fijarnos más en el talento local/nacional.

Estoy de acuerdo, aunque la verdad es que son realmente pocas y acostumbran a ser las que se pueden permitir ganarse la vida con esto, algo al alcance de muy pocas. El resto tienden a entregarse a muerte por una sencilla razón, no se llevan apenas ni un pavo e incluso muchas veces les supone el palmar pasta subirse a un escenario, con lo que, si lo hacen, es porque verdaderamente aman lo que hacen.

De todas formas a veces es complicado por la falta de circuitos, locales de conciertos, medios en general. ¿Conoces a alguna banda del sur que te guste? Creo que a los Farelli los conoces… Esos sí que saben dar una buena fiesta…


Claro que conozco a Los Farelli y hay otras bandas del sur como Electric Alley que me flipan,  Sniper Alley Y Rebel Harlot de Granada. Hay buena movida por allí, aunque sé que el Sur no es muy rockero



Bueno, eso no es así, pero daría para otra charla. Piensa que aquí lo que prima es el flamenco, y otras corrientes músico-culturales tienen mucha menos repercusión. 
Para terminar, recomiéndame tres discos, da igual procedencia o año.

Te podría recomendar mil, no tres, pero bueno, en dos minutos me habré arrepentido de no haber puesto otro (s) jajajaja. Uno especial para mí y dos novedades que me encantan.

The Peepshows (Same), de 2003.
The Empire Strikes (High tide), de 2017.
The Clamps (Blend, shake, swallow), de 2017.

Mil gracias maestro!

miércoles, 1 de marzo de 2017

“She and the Sunshine”, de Furia Trinidad: Tocar cada nota como si fuera la última.


La intensidad en la música, en el rock, como en la vida misma, debería ser un axioma inviolable. Cada paso que des, lo debes dar como si fuera el último. Cada palabra que grites, eleva la voz como si solo quedase un último ser vivo por escucharte. Cada nota, cada abrazo, cada te quiero, como si fuera el último. La intensidad es el alma de la vida. Uno con la edad aprende que cada minuto que no vives como si fuera el último, es un minuto perdido. En la música, en el rock, disfrutamos demasiadas veces de posturas fingidas, sentimientos diseñados y emociones prefabricadas. Y sin embargo de un tiempo a esta parte en el sur español surgen francotiradores de la intensidad, del sentimiento hecho canción. Gente como Guadalupe Plata o, especialmente (y de qué manera), Don Andrés Herrera, Pájaro. O Furia Trinidad. Su nuevo trabajo, “She and the sunshine”, les ha hecho dar un paso adelante. Al igual que Martina crece con cada portada en la que aparece, la música de Furia Trinidad sigue creciendo, añadiendo matices, con nuevas sonoridades, pero, y esto es lo más importante, manteniendo algo que les hace únicos: Suenan a ellos mismos. En este nuevo trabajo elevan el nivel de sus composiciones (“She and the sunshine”, la canción, es una obra sublime), y a la vez han sabido aderezarlas con un “ir más allá” que nos deja completamente exhaustos, como si nos obligaran a cruzar con ellos de la mano ese desierto imaginario del que se impregna su música. Coros de niños en "The Morning after", vientos fronterizos en "Mary Ann’s funeral", la belleza de la sencillez en "Radio Corporation of America" (mi canción favorita del disco)… la paleta sonora que nos han regalado es tan extensa como intensa (la intensidad de nuevo), es imposible no sentir el viento abrasador en la trompeta de Mary Ann’s, no puedes evitar sentirte atrapado en la hipnótica "Leave you tonight", dejarte arrastrar por el ímpetu de "Red Blood", sentirte en New Orleans con ese inicio a lo Treme, o sentir el caos psicodélico de "Feeling Alone", impagables las imágenes de la banda en la sala Sol interpretándola con un Goli completamente imbuido en su papel de chamán iniciático del ritual de Furia Trinidad. 

Un trabajo inmenso, de fuego lento, no esperéis que entre a la primera, al igual que los viejos vinos, necesita respirar en tu subconsciente, necesita liberar los sabores a cine antiguo, a carretera polvorienta, a desierto, a tequila… Como decía, la intensidad en el rock, como en la vida, debería ser un axioma inviolable. Furia Trinidad lo saben.

  

Ayer mismo actuaron en el programa de Buenafuente, Late motiv. Y obviamente, arrasaron.

  


Aquí podéis escuchar "She and the sunshine".


miércoles, 22 de febrero de 2017

Westworld: La aparatosa vacuidad.



Hace diez años me estrenaba haciendo un trabajado artículo sobre una serie (Carnivale) que me pareció confusa, retorcida, áspera, densa… pero sobre todo me pareció brillante. Su aparatoso retorcimiento estaba al servicio de una historia fabulosa, estaba perfectamente construida y sus dos temporadas pudieron pecar de muchas cosas, pero desde luego no de artificiosidad. Casi quince años después el negocio de las series de televisión se ha desarrollado de una manera que ni los más entusiastas podríamos haber imaginado: Desarrollo vertiginoso de las tecnologías, con terminales más manejables e inteligentes; abaratamiento de precios; proliferación de plataformas de televisión a la carta (Netflix, Amazon, HBO…); y sobre todo la aparición de una demanda que roza lo enfermizo. Las series de tv se han convertido en un producto masivo de primer nivel. Las productoras han entrado en una vorágine en la que tienen que desarrollar más y más productos con los que no pierdan ni medio centímetro respecto a sus adversarios, han encontrado la nueva gallina de los huevos de oro y están en la cresta de la ola. Hace poco tiempo, cada año aparecían dos o tres series interesantes que se añadían con más o menos acierto a las que ya estaban asentadas. Ahora, en cambio, la vorágine simplemente se ha disparado, como si de una burbuja especulativa se tratara, parece que es más importante hacer series “en serie” (permítanme el torpe juego de palabras) que encontrar el producto adecuado, parece que desarrollan el producto y luego determinan el target, cuando debería ser al revés. Hace unos pocos años, como decía, cada nuevo lanzamiento era controlable por parte del consumidor/espectador. Los más ávidos podían controlar el visionado de los episodios de las dos, tres a lo sumo, novedades. Hoy la oferta se ha desmadrado tanto que es imposible completamente aspirar a estar al día de todo lo que se nos ofrece. Hay incluso en Estados Unidos casos de algo que se ha traducido como “stress audiovisual”, casos de alteraciones nerviosas (falta de sueño, crisis nerviosas…) por ser incapaz de mantener el ritmo  para verlo TODO.

¿A dónde quiero llegar con todo esto? Yo hace unos meses decidí que ya era suficiente, la oferta era/es tan exagerada que dejé de interesarme por las novedades. La última serie que vi fue Preacher y porque estaba de vacaciones. Incluso algo aparentemente tan interesante para mí como Vynil decidí ignorarla, cuanto más la cancelaron por no conseguir los ratios suficientes pese al enorme presupuesto del que disponían. Netflix está presentado o tiene pensado hacerlo Santa Clarita Diet, Una serie de catastróficas desdichas, Gypsy, Discovery, Iron Fist, Star Trek, Death Note, más las nuevas temporadas de cosas como Stranger Things o Narcos. HBO en su caso tiene a Taboo, Big Little Lies, Six, Crashing, Feud, When we rise, y las continuaciones de The Leftovers, Veep, Silicon Valley o Juego de Tronos… 

¿Y bien? Pues que suele pasar que cuando se entra en un juego así, un tablero donde se ha pasado a un nivel de exigencia de producción masivo, a veces el producto final no por costoso, no por tener puntos de partida interesantes, no por contar con grandes actores… va a ser el adecuado. Al igual que con Vinyl (por lo que se comenta, no la he visto), el intentar ir más allá, el derrochar recursos en realidad ha ido en contra de la propia serie. HBO ha declarado que necesita urgentemente otro Juego de tronos y no reparó en gastos para Westworld. ¿El resultado? Un trabajo aparatoso. Grandilocuente, pero vacío, terriblemente vacío. Contando con apenas un par de buenos momentos, los diez episodios de la primera temporada transcurren entre la vacuidad más absoluta, con una trama presuntamente retorcida que no dice nada. Los momentos supuestamente más intensos carecen de poso dramático. La trama, a pesar de ser original, no va a ninguna parte.

¿Pretende ser un trabajo filosófico sobre la vida humana, sobre la conciencia? ¿Es simplemente un divertimento sin más? ¿Trata profundizar en la psique humana? Porque, para mí, naufraga en todo tipo de análisis al que la sometas. Personajes artificialmente complejos se entrelazan en una trama que pretende ser trascendental y sin embargo no transmite nada, ni siquiera ritmo narrativo. Obviamente no todo es negativo, las actuaciones de algunos de sus actores son notables, a Hopkins no lo vamos a descubrir, es soberbio. Evan Rachel Wood como Dolores realiza un trabajo intenso, Jeffrey Wright como Bernard (lo recordaréis por su enorme papel en Boardwalk Empire) o Ed Harris realizan interpretaciones más que convincentes. Y el detalle de la música del prostíbulo con versiones de salón de temas de los Stones, Radiohead… es brillante. Pero en conjunto es muy poca cosa para lo que se ha anunciado como “la serie que desbanca a Juego de tronos”. 

Aparatosa, engañosa y vacía. Cada vez me apetece menos ver dedicarle tiempo a las series, la verdad… Aunque dudo que le importe a nadie…. yo me bajo de esta vorágine.

lunes, 20 de febrero de 2017

“Fire Monkey” de Little Cobras.


Fire Monkey de los Little Cobras aparecía como uno de los diez mejores discos que hemos escuchado en el pasado año, y les debíamos la consabida reseña. Y de regalo el vídeo que le hicimos hace unos pocos meses con ese trallazo que es Cobalt blues. 

Adentrarse al nuevo disco de los Little Cobras es lo más parecido a introducirse en un túnel oscuro a mil por hora espídico perdido y con la radio del coche  a volumen 11, es como salir de fiesta por la noche con la peor cohorte de diablos del averno, la cartera llena de billetes y un bonus extra para morir matando, es la fiesta que no quieres que termine, tan sucio y tan áspero como si estuvieras en la primera fila del último concierto al que vas a ir en tu vida. Comenzar un disco con algo como “Cobalt blues” es igual que juntar en la coctelera todos tus discos de los Cramps con los de Captain Beefheart, dos litros de tequila, cuarenta jalapeños  e irte de fiesta. Descomunal forma de comenzar un trabajo, joder… Y no queda la cosa ahí, el nivel se mantiene, no decae, los Cobras han grabado su mejor trabajo sin duda, es uno de esos discos que pones una y otra vez, una y otra vez… sin parar. Cada vez que aparece “Bubble” en tu reproductor los pies se te van solos, y es que uno de los grandes méritos de los Cobras es conseguir un sonido propio, grasiento y duro pero con ritmo, mucho ritmo, personalidad propia a borbotones pero con ganas de pasarlo bien y hacértelo pasar mejor. “Too much paranoia” es otra canción que te atrapa al momento, se te mete en el cerebro al instante y te arrastra a un viaje psicotrópico, corto pero puñeteramente intenso.

Aullidos, rock primigenio, la esencia del punk, surf, músculo… Quedas avisado.


  

martes, 3 de enero de 2017

Entrevista a Andoni, de Soulbreaker Company: "Nos encanta dotar a nuestras canciones de cierta épica, nos ayuda a que crezcan más y crear una mejor conexión con el público en los conciertos".


Por fin ha sucedido... parecía que los astros se negaban a que pudiera publicar entrevista alguna a una de mis bandas favoritas. En 2011 entrevisté a Jony para un canal de música durante el Serie Z, pero el ávido responsable no tuvo a bien nunca que aquello saliera a la luz. Hace unas semanas tenía concertada una entrevista en vídeo aprovechando su concierto junto a Bourbon en la vecina Sanlúcar, pero una inesperada fiebre me dejó KO. Finalmente tenemos aquí la entrevista a Andoni para hablar de todo un poco, pero sobre todo de ese fantástico nuevo trabajo que acaban de publicar, "La lucha".

Habéis publicado vuestro quinto disco, “La Lucha”. ¿Alguna diferencia respecto a los trabajos anteriores?

Siempre hay diferencias pero en este último disco si que creemos que tiene un poco de todos nuestros anteriores álbumes. Quizá sea una mezcla de "Itaca" y "Graceless", así lo vemos nosotros al menos. La manera de hacer las canciones ha sido la misma pero esta vez fue todo más fluido que en las anteriores ocasiones, en pocos meses ya teníamos el disco compuesto y listo para entrar a grabarlo.

¿Cómo ha sido la grabación? Os habéis ido a Bristol, ¿por qué? ¿En qué habéis repetido respecto a otras grabaciones y en qué habéis querido buscar nuevas cosas? Tengo entendido que os gusta grabar en analógico, supongo que el sonido analógico es mucho más cálido…

Teníamos buenas referencias del estudio y no nos salía mal de precio así que nos lanzamos otra vez a grabarlo fuera. Es un estudio pequeño pero con grandes resultados, de hecho bandas yanquis han ido a grabar a él. El técnico de sonido, Steff Hambrock, se implicó un montón en la grabación y nos hizo sentir muy cómodos. Respecto al tema de grabar en analógico, pues sí, nos encanta el sonido analógico. Es muchísimo más personal que la grabación digital, más humana...el problema es que suele salir más cara ,pero creemos que merece la pena la inversión.

Habéis perdido a dos miembros, uno justo antes de la grabación y otro justo tras ella. ¿Cómo lo habéis llevado? ¿Han sido reemplazados? ¿Cómo os ha afectado?

Así ha sido, ha sido duro pero bueno… es parte de la vida. Unos vienen, otros se van... Ya en la gira de "Graceless" vimos que ese disco iba a ser probablemente el último con la formación original, nos estaba costando bastante hacer conciertos por incompatibilidad de horarios laborales, las prioridades no eran para todos las mismas además… Al final han entrado unos y han salido otros de una manera muy natural y donde todos hemos acabado contentos. Tenemos muy buen rollo ahora mismo y eso se está reflejando en los directos.

¿Lo de “La Lucha” tiene algún significado relacionado con la banda? ¿Tener una banda hoy en día es tan duro? Y eso que vosotros habéis conseguido tener una carrera muy sólida.

Sí, hace referencia a lo difícil que es tener una banda y mantenerla, pero también hace referencia a un montón de cosas más, es un concepto más amplio, de la lucha de uno mismo con todo lo que le rodea (amor, injusticias, amistad…).

El nivel compositivo sigue siendo muy alto, yo estoy enganchado con "They call this life", con esos coros al final, es una canción tremenda, 100% Soulbreaker Company, me imagino que estaréis contentos con el resultado final del disco.

Muy contentos, sí. Como te comentaba antes, el disco lo compusimos muy rápido por un motivo, porque todo lo que iba saliendo nos encantaba, así que el resultado no ha podido ser mejor. Hemos hecho el disco que queríamos hacer en este momento. Respecto a "They call this life" estoy de acuerdo , los coros del final son una pasada, el primer dia que los escuche me recordaron a los coros más épicos de Nick Cave and the bad seeds.

Quién hace los coros en “They call this life”? ¿Hay más colaboraciones?

Los coros los hicieron Txus López de Mendiguren (cantante de Arena y muy amigo nuestro desde que era un enano) y Cameron Webster, otro gran amigo nuestro muy metido en el folk y que tiene un control de las armonías brutal. En "Red, yellow, green" también colabora una amiga nuestra, Alison Keable, quedó de lujo también su voz con la de Jony.

¿Cuáles son vuestras influencias? Lo pregunto porque el sonido de Soulbreaker Company es complejo, en el sentido de que hay muchas cosas, muchos elementos que para el oyente pueden ir desde el rock progresivo, el sonido 90’s, folk a veces…

Nuestras influencias? puffff ...tantas y tantas. Nos gusta el prog 70's, nos hemos criado musicalmente en los 90, hemos mamado también mucho folk...pero también nos influencian un montón de música que mucha gente seguramente no se imagina y que si la menciono nos dejaría en muy mal lugar jejejeje. Intentamos aprender de todo lo que oímos y vemos.

¿Os reconocéis un sonido propio? Es decir, ¿sois conscientes de tener un sonido propio, muy característico? Como digo, escuchas una canción y dices “esto es Soulbreaker Company”, tiene ese sonido, esa épica, esa musicalidad…

Me gusta eso que dices de un sonido propio!! Nos lo han dicho últimamente y quiero pensar que sí que podemos tener un sonido característico. En cuanto a lo de la épica, totalmente de acuerdo, nos encanta dotar a nuestras canciones de cierta épica, nos ayuda a que crezcan más y crear una mejor conexión con el público en los conciertos.

En el sur se os trata bien, tenéis buena relación con nosotros… Sois amigos de los Bourbon (aunque eso no es difícil), no faltabais al Serie Z e incluso lleváis camisetas de Atavismo…

Con Bourbon hemos coincido ya unas cuantas veces, somos muy fan de "Devastación", su último disco. "Contra el cristal", "Escrito en la pared", "Devastación"…  temazo tras temazo y son una gente cojonuda , da gusto coincidir con ellos. Muchas ganas de que hagan disco nuevo.

A Poti de Atavismo le conocemos de hace muchos años, casi unos 15 años. Le conocimos en Londres en un concierto de Mountain y Leaf Hound por el año 2003. Y desde entonces hemos tenido muy buena relación . Hemos hecho unos cuantos conciertos juntos ….y los que nos quedan!!! 

Aprovecho este momento para agradeceros, como fan de Bourbon, vuestras colaboraciones en Devastación, Jony y Asier participaron en él. Jony colabora en el tema final, y bueno, es una canción soberbia (ya se lo dicho mil veces a Raúl) y su colaboración encaja como un guante…lleva la épica como varios niveles más allá.

Pues muchas gracias Javi por las palabras, la verdad es que el tema es brutal y Jony y Asier hicieron muy buen trabajo. Es perfecto para finalizar el disco.

¿Qué tal han ido los conciertos de vuestra mini-gira en el sur?

Pues muy bien. Buenos conciertos, buena gente, buena comida y buenas bebidas. Que más se puede pedir!!! 

Muchas gracias, Andoni!

Gracias Javi por la entrevista, un abrazo.


* Gracias a los chicos de Soulbreaker Company por su paciencia. Y a Desi Estévez por cederme el uso de su imagen.